domingo, 12 de novembro de 2017

From the Fire - Greta Van Fleet

O Greta Van Fleet, banda de rock americana formada em 2012 pelos irmãos Josh Kiszka, Jake Kiszka, Sam Kiszka, além do baterista Danny Wagner, foi uma das grandes revelações deste ano. Primeiro por seu EP de estréia "Black Smoke Rising", de 2017, onde a banda mostra uma hard rock poderoso, cativante e uma semelhança absurda com o Led Zeppelin. Dos riffs de guitarra, perpassando as viradas de bateria, as notas de baixo e principalmente os timbres vocais de Josh, assustadoramente parecidos com o do jovem Robert Plant. 

A banda soa com o Led dos primeiros anos, particularmente o dos discos Led Zeppelin II e III, mas a força e qualidade das canções é tão grande que não parece uma cópia barata, a sensação é mais como ouvir material inédito do próprio Led. Exceto a canção título, que é um ponto fora da curva, todas as demais, a saber: "Higway Tune", "Flower Power" e "Safari Song" são puro Led Zeppelin redivivo. 

Recentemente a banda lançou um segunde EP "From The Fire", este duplo, trazendo as quatro canções já apresentadas e quatro novas. Neste novo lançamento a banda expande seus horizontes trazendo mais elementos para sua música. "A Change is Gonna Come", por exemplo, traz um pomposo e belíssimo coral gospel numa balada hard rock. Assim como Meet On The Ledge, outra balada com corais pomposos, traz notas de rock setentista.

Eles parecem estarem inseridos nessa leva de artistas com sonoridade retrô que enxergam o futuro do rock'n roll dando uma cuidadosa e talentosa olhada para o passado. Nada mais justo. Sempre é possível explorar o passado em busca do futuro sem cair na cilada do plágio. "From the Fire" indica que a banda tem habilidade suficiente para crescer ainda mais. 

Ainda é cedo para dizer se eles são de fato o novo Led Zeppelin ou se irão continuar o trabalho da onde o Led o deixou no passado. Mas  uma única audição desse disco é o suficiente para mostrar que essa banda merece sua atenção. Um nome para prestar atenção no futuro e que tem potencial de crescer horrores no futuro, traçar um caminho parecido com o Ghost tem tomado. Eu particularmente torço para que seja assim.

Se você gosta de rock, se você gosta de Led Zeppelin, se você gosta de boa música, não deixe o ano terminar sem conferir. Tá nas plataformas de streaming. Corre lá.



segunda-feira, 23 de outubro de 2017

Somos como o sonhador que sonha e então vive dentro do sonho


Nunca fui fã de Twin Peaks até este ano quando resolvi enfim assistir a série para poder acompanhar os acontecimentos da recentemente lançada terceira temporada e já considero a melhor série do ano e pessoalmente a melhor série que já assisti. David Lynch e Mark Frost, criadores da série são geniais e Lynch especialmente ao dirigir todos os espisódios desta terceira temporada como um enorme filme.

O que fascina em Twin Peaks é que por um lado a série é uma novela, tal como aquelas da globo ou ainda como a série Game of Thrones, há mocinhos e vilões, tramas e traições, dramas e romances, mistérios e reviravoltas. Por outro lado desafia padrões de narrativa ortodoxos com personagens estranhos, silêncios constrangedores e situações oníricas que fazem duvidar da noção de realidade. Twin Peaks é um obra de fantasia, terror, ficção científica, comédia, tudo ao mesmo tempo. Difícil de definir, mas fácil de amar.

A história que começa como uma noveleta de suspense policial onde o agente especial Dale Cooper do FBI vai à pequena cidade de Twin Peaks solucionar o assassinato de Laura Palmer, a garota mais popular do colégio, no maior clima de O Silêncio dos Inocentes, e acaba evoluindo para uma trama sobrenatural em sua segunda temporada e nessa terceira temporada alcança seu ápice numa clássica narrativa épica do bem contra o mal. Claro, que novamente Lynch vai deturpar toda a narrativa colocando o personagem principal preso dentro do próprio corpo com amnésia, enquanto o vilão caminha livre sobre os Estados Unidos, os personagens secundário ganham mais relevância e recebem o encargo de levar a história adiante, outras várias subtramas se desenvolvem em paralelo sendo que nem todas terão uma conclusão no final, de fato, muitas delas sequer precisarão de uma conclusão.

E, claro, há o episódio 8 que é um marco, uma enorme quebra na linha narrativa, um flashback em preto e branco de uma hora quase sem diálogos onde as mais diversas imagens vão surgindo na tela, todas loucas e belíssimas parecendo alternar entre realidade, ilusão e sonho ou pesadelo, informações preciosas são reveladas, mas não explicadas abrindo possibilidades para as mais diversas teorias.

Falando em teorias, ao final após nos levar ao longo de toda a narrativa e nos ludibriar com a ilusão de uma conclusão para série, Lynch inverte toda a lógica de novo e nos faz questionar a própria realidade do que ocorreu ao longo dessas três temporadas de Twin Peaks num final brilhante, mas que deixa aquela sensação de vazio no espectador, vazio que várias teorias pipocando na internet já estão tentando preencher.

É a questão que uma onírica Mônica Bellucci levanta em determinado momento da narrativa: "Somos como o sonhador que sonha e então vive dentro do sonho. Mas quem é o sonhador?". De fato, toda Twin Peaks parece um sonho, a quantidade de narrativas soltas e inconclusas, deslocadas da série que você vai encontrar nessa temporada parece reforçar ainda mais essa impressão. "Vivemos dentro de um sonho" diz Dale Cooper em determinado momento. Assistir Twin Peaks é isso, é como sonhar, nem tudo precisa ter uma explicação ou conclusão, mas é uma experiência que vale a pena ser vivida.

Se essa terceira temporada de Twin Peak foi o fechamento da carreira de David Lynch então ele o fez com chave de ouro.



quarta-feira, 20 de setembro de 2017

A Coisa, enfim uma adaptação decente de Stephen King


It ou A Coisa é um dos maiores clássicos do autor norte americano Stephen King. Um tijolaço que varia de 900 e tantas à mais de mil páginas dependendo da edição, a minha tem menos de mil, mas uma letra do tamanho de bula, lê-lo, aos quinze anos de idade, foi quase uma malhação pros bíceps. Pra quem gosta de terror, fantasia e prolixidade o livro é um deleite. Eu adorei quando o li, até chegar ao final, mas disso falaremos em outro momento.

A sinopse de It no livro começa falando de uma cidade assombrada no Maine onde sete crianças conheceram o terror pela primeira vez. A tal cidade é Derry uma pequena e pacata (pero no mucho) cidade do interior norte americano, aquele tipo de lugar idílico onde todo mundo se conhece e vive num ambiente de suposta tranquilidade e boa vizinhança. Mas tal tranquilidade é apenas uma fachada, uma presença aterrorizante vive nos subterrâneos de Derry, se alimentando de crianças e medo e as sete crianças, também conhecidos como o clube dos perdedores, são os únicos capazes de enfrentar a criatura.

A maior proeza de King em seu livro é criar, em prosa, uma cidade completa, em sua rica e sombria complexidade. Derry tem seus pontos de referências muito bem delineados, tem uma história longa e rica, contada através das pesquisas de Mike Hanlon, no livro ou Ben Hascon, no filme. Com liberdade, e espaço para escrever, King trata também de delinear o perfil psicológico da cidade, o que pode inclusive ser visto como uma verdadeira critica social à classe média norte americana. Isso porque, acima de tudo, Derry é uma cidade hipócrita. Na sua fachada cidadãos pacíficos e felizes, mas no fundo são cheios de ódio e rancor, como descobriu da pior forma Adrian Mellon (opa... ainda não é hora de mencionar ele... pra quem só viu o filme).

Nesse meio temos Pennywise, o monstro palhaço que habita nos esgotos de Derry. Um monstro que ataca e devora crianças se alimentando principalmente de seu medo. Parcimonioso, na tradução brasileira dos livros, é como uma encarnação de tudo de podre que tem na cidade, representado principalmente pelos adultos, que, de certa forma, são os grandes vilões da história. Como o pai pedófilo de Berverly, a mãe hipocondríaca de Eddie, os pais ausentes de Bill ou ainda o pai psicopata de Henry Bowers, uma criança corrompida pela maldade de Derry e vilão de segunda linha. Reforça essa visão o fato de que o palhaço é invisível aos adultos e sua matança histórica e periódica é ignorada pelas autoridades incapazes de ver que algum mal está a solta na cidade. Não seria de espantar que Pennywise fosse um ponto de conjunção de toda a maldade de Derry, uma abominação surgida do mal, nas palavras de Don Haggarty à Harold Gardener (calma, vocês vão conhecê-los) quando perguntado quem era o palhaco: "Era Derry, era esta cidade"

O filme, apesar da compreensível e inevitável necessidade de reduzir a história e seu contexto para encaixar na curta duração de um filme, conseguiu colocar em tela todas as diversas facetas do livro, algumas com mais enfoque outras com menos, obviamente. A coisa é muito mais que um palhaço, embora no filme ele praticamente só apareça nessa forma, questão de criar uma identidade visual bem definida. Os vilões adultos também estão lá, mas sua representação é mais leve que no livro, bem como hipocrisia da cidade também é mostrada, ainda que de forma sutil e não escancarada como livro, onde é perceptível que a cidade é a Coisa são uma só. Há também no livro uma viajada psicodélica cósmica envolvendo uma Tartaruga, mas isso filme optou por deixar de fora (ainda bem), vamos ver no segundo.

Quanto aos atores, que beleza de escalação, os atores mirins todos estão ótimos, representações perfeitas do livro, Bill Gaguinho é o líder nato, Richie é chato e boca suja, com um bônus, no filme ele é engraçado, no livro só chato, Eddie e Stan são os relutantes, Beverly é tão linda, ruiva e forte quanto no livro, Ben é inteligente e tímido e Mike é forte, o negro num mundo de brancos, ainda tendo que enfrentar o racismo que jamais sumiu na sociedade, principalmente quando se fala de Derry. O roteiro é excelente, não deixa pontas soltas, se por um lado corta muita coisa legal (e violenta), também corta muitos exageros (bizarros) típicos de King, leva bem ao pé da letra o bordão de Pennywise "Você também vai flutuar", no livro é mais uma força de expressão mesmo e dá um desfecho diferente, mas satisfatório a essa primeira metade da história, aliás diferente mesmo só o modus operandi, mas o resultado é o mesmo.



O Terror fica só na nomenclatura já que não dá medo nenhum, muito mais uma versão dark e pesada dos Goonies ou, pra pegar uma referência mais contemporânea, Stranger Things, o fato de terem escalar um ator da série pra interpretar Richie Tozier só reforça isso. É a melhor adaptação de King desde O Nevoeiro (aquele do Frank Darabont, não aquela porcaria da Netflix) e aguardo com uma mistura de ânsia e cautela a segunda parte, o filé do livro é a história das crianças, a fase dos adultos é mais ou menos, os roteiristas vão ter que fazer um ótimo trabalho pra superar essa primeira parte.

sexta-feira, 8 de setembro de 2017

O Nevoeiro 2017

O Nevoeiro é um dos melhores contos de Stephen King. É a abertura da sua segunda antologia de contos chamada Tripulação de Esqueletos. Enorme como ele só é quase um livrinho separado dentro da antologia, merecendo até divisão em capítulos. Anos mais tarde foi transformado num filme melhor ainda pelas mãos do mestre Frank Darabont que já adaptou com maestria outras duas obras de King, a saber, Um Sonho de Liberdade e À Espera de Um Milagre. Mais cruel, mais visceral e pessimista que a própria obra escrita, o filme é um primor, o próprio autor reconheceu a reviravolta final de Darabont no filme superou a sua no livro.

E então veio a Netflix...

Eles não destruíram a obra, quem quiser uma excelente experiencia em fantasia, terror e tensão, pode buscar as obras referenciadas ali em cima. Porque com certeza não é o que vocês vão encontrar na versão na Netflixiana da obra.

Aparentemente, sem dinheiro para fazer um Nevoeiro decente, os produtores da série resolveram focar nos aspectos psicológicos da obra. Logo em vez uma bruma repleta de monstros que bobeou dançou, temos aí uma fumaça CG bem mais ou menos que mata aleatoriamente, é lerda e aparentemente sabe ler mentes e usar... bem eu não entendi se os piores medos ou as piores culpas das pessoas para matar elas, mas nem sempre as vezes aparece só alguma bizarrice tipo o rapaz transformado em mariposa gigante ou o cara das sanguessugas, enfim. 

Acho que a pior coisa é que o Nevoeiro, tão letal na obra original, enquanto algumas pessoas não aguentam uma passagem num corredor cheio de névoa, outros saem correndo no meio dele, param, gritam pelos outros e até atravessam a cidade ilesos. Ou ainda enfrentam no mano a mano, com bastante sucesso, as aparições assassinas. 

Mas assim como no original, o nevoeiro é apenas um pretexto, um elemento de tensão, porque o horror mesmo acontece através dos personagens humanos. Ou deveria. Particularmente, fora o heroico pai de família personagem principal.... pera aí vou aqui pesquisar o nome dele.... Kevin, então o Kevin começa a série incrivelmente chato, mas termina de forma primorosa quando, já nos últimos capítulos ele percebe que todos na cidade viraram uns cuzões de merda, não vou contar o que ele faz, iria estragar, mas se você enfrentar o marasmo até o final, vai se sentir recompensado.

De resto, temos, Alyssa Sutherland a rainda Auslaug em outro papel irritante (será que é a atriz?) como Eve esposa de Kevin e mãe de Alex uma jovem envolvida numa dramalhão de novela mexicana. Mais um punhado de coadjuvante chatos, desinteressantes que você só queria que o nevoeiro pegasse logo.

E vamos falar dos ahn... vilões.... nossa que reunião de vilões medíocres temos nessa série, temos a tensão fanática religiosa na pele de uma senhora New Age que nem de longe chega aos pés da assombrosa Sra. Carmody e sua arenga cristão apocaliptica, aqui vira uma palavreado manso sobre a natureza, a vida e a morte, Nathalie a nova porta voz do fim dos tempos, só consegue reunir quatro gatos pingados e ainda perde os dois no caminho. Temos o lobo em pele de cordeiro que só se revela ao final, patético, o segurança estérico, ridículo, o militar misterioso, irrelevante. 

Por fim, outro defeito é que pelo visto, para os roteiristas, em situação de Apocalipse sobrenatural, ninguém é capaz de uma atitude racional, fazem burrices, coisas loucas e sem razão, sexo fora de hora e criam teorias mais patéticas que a Terra Plana pra explicar o fenômeno. 

O que mais aterroriza em toda série mesmo é o gancho final para uma segunda temporada. Me arrepia pensar em mais dez episódios desse troço.

Vá por sua conta e risco! 

Cena mais legal da série e acontece no primeiro episódio, de resto é só decadência.

segunda-feira, 4 de setembro de 2017

Death Note (2017)

Light Turner é manezão
A verdadeira musa sociopata do filme.
Como você utilizaria um caderno que tem o poder de matar pessoas? Essa questão é crucial para compreender a diferença entre a produção norte-americana de Death Note da Netflix e o original japonês. Vamos lá: opção 1: você não mata ninguém conhecido, monta um esquema baseado em noticiários de televisão, monta um esquema inteligente para que ninguém descubra seu caderno ou Opção 2: você mata seu colega de escola, executa uma vingança pessoal com ele e o mostra pra aquela garota que você é afim, mas nunca falou com você.

É nesse esquema que reside a maior fraqueza de Death Note, seu protagonista e também vilão, Light Turner é um jovem bastante mediano que recebe um grande poder e não sabe muito bem como lidar com ele, seu duplo animado japonês é um jovem gênio sociopata que decide criar um mundo novo executando bandidos da solidão de seu quarto e jamais duvida da justiça de seu comportamento e não tem um pingo de remorso em executar quem se coloque no seu caminho. Já o jovem Light Turner sofre várias crises de moral, exita em matar policiais ou pessoas que considere inocentes.

Essa alteração é importante dado que boa parte da diversão do anime é que se tratava de uma trama novelesca envolvendo dois gênios, Light Yagami de um lado e o detetive esquisitão L do outro, ambos interpretando a consagrada rixa Sherlock Holmes vs Dr. Moriarty onde a cada episódio uma nova reviravolta gradativamente os ia deixando mais próximos um do outro.

O filme decidiu não seguir por esse caminho. Primeiro que o drama principal ocorre entre Light e sua namorada Mia, essa sim a verdadeira psicopata da história, não demora para que a parceria amorosa entre eles se transforme em tensão e depois em rivalidade, no meio desse "quiprocô" entra L, bem fiel ao seu homônimo no mangá, mas reduzido aqui a um catalisador da tensão entre o casal assassino.

A melhor coisa do filme é certamente Mia, adaptação da personagem original, Misa Amane, se no anime era uma personagem totalmente fetichizada: nova, mentalidade infantil, esbanjando sensualidade de uma mulher madura e totalmente submissa à Light Yagami. Aqui é uma personagem de personalidade forte, psicopata ainda maior que Light Turner, praticamente é dela a ideia de limpar os criminosos do mundo e ela que fica mais obcecada pela missão. A segunda melhor coisa foi Willen Dafoe como Riuk, o deus da morte metaleiro, um dos castings mais adequados da história do cinema.

O estilo folhetim da série original, com uma reviravolta nova a cada episódio foi substituído pela linguagem de videoclipe: frenético, com muita informação sendo jogada a todo instante. Sabe aquelas cenas longas em que os personagens delineiam suas estratégias na mente do original, aqui não tem nada disso.

Mas ao final não é um filme de todo ruim. É uma aventura adolescente razoável para as novas
gerações.

Ps. caso você queira conhecer a melhor versão de Death Note não deixe de pesquisar os dois live actions japoneses Death Note e Death Note - Last Name que adaptam toda obra de forma concisa e na minha opinião com o melhor final de todos.

Deus da morte ou membro do Mötley Crüe?

quarta-feira, 23 de agosto de 2017

A influência do ABBA em duas ótimas canções de 2017

Você conhece o ABBA? Certamente conhece. É um absurdo não conhecer ABBA. Mas caso não conheça é um sensacional grupo sueco de musica pop que fez sucesso nos anos 70 com clássicos como Dancing Queen, Money, money, money, The Winner Takes it all, Mamma Mia e mais uma longa lista de outras canções. Com certeza você já ouviu alguma.

A banda terminou lá no ano de 1982 e, tal qual Led Zeppelin, nunca mais voltou. Mais de 30 anos depois de seu término continua sendo um nome relevante na música mundial e continua exercendo forte influência nos mais diversos músicos dos mais diversos estilos.

Nesse ano me chamaram atenção duas composições, principalmente que têm em comum, além do fato de eu ter gostado delas, ambas terem forte influencia da sonoridade do ABBA. Ambas são alegres e dançantes, têm algo de retrô, mas são essencialmente canções atuais e cheias de personalidade.

A primeira, de um dos grandes nomes do Rock Progressivo contemporâneo, Steven Wilson de seu mais recente disco To The Bone:



A segunda de uma das maiores bandas indies da atualidade o Arcade Fire, a faixa título de seu mais recente disco Everything Now:


Aumente o som!

sexta-feira, 23 de junho de 2017

Quando o Heavy Metal está para a contemplação

Metal é música pesada, barulhenta e muito estimulante. A maneira clássica de curtir o heavy metal consiste em usar preto, fazer cara de mal, bater cabeça, no caso balança-la o mais violentamente possível para cima e para baixo e por fim o mosh, jogar-se e bater-se contra os outros fãs com a maior força possível (mas na paz, fique bem entendido). Em resumo, essa é a imagem consagrada de como curtir de maneira saudável um bom show de metal.

Porém, há espécies de metal que convidam a outro tipo de postura, mas calma e contemplativa. Curioso notar que tal tipo de heavy metal ocorra justamente na sua vertente mais extrema e sombria, o Black Metal. É o caso, cite-se como exemplo, do Burzum, projeto de Varg Vikernes, uma das figuras mais controversas do metal, se não da música como um todo, sua proposta nunca foi esse metal citado no primeiro parágrafo, tanto é que ele jamais fez sequer um show ao vivo, aliás jamais tocou Burzum ao vivo, exceto em uma série de vídeos curtos onde ele toca versões de “acústicas” de suas músicas numa guitarra elétrica desplugada na frente de seu computador. O objetivo de Vikernes com o Burzum era criar um outro estado, seus álbuns eram planejados para uma audição solitária, concentrada, que em tese, levaria o ouvinte a outro estado de consciência fazendo-o experimentar de fato o que era tocado nas canções. Para causar esse efeito ele combinou o peso e distorção à uma estrutura de música ambiente com músicas longas, riffs repetidos à exaustão e lentas variações nos ritmos, tornando a música pesada quase num fundo musical para medição. Certamente uma meditação muito mais sombria do que aquela proposta pelo Yôga ou Mindfulness, mas ainda assim uma meditação.

A mesma sensação que me trouxe o Burzum, também senti no trabalho de uma nova banda brasileira de Black Metal chamada Motherwood. Não à toa o Burzum está entre as influências citadas na página da banda, junto com Opeth, Emperor e outras. Eles lançaram um Ep chamado Sadness cuja canção título ganhou um belíssimo clipe. A música é um black metal pesado executado com maestria as influências das bandas citadas fazem-se sentir em sua música longa, com riffs de guitarra repetindo-se criando uma música ambiente sombria que casa com o tema proposto: a agonia da natureza perante à ação do homem. O vídeo é ilustrado com lentas imagens panorâmicas em preto e branco de florestas o que ajuda na imersão. Uma canção que apesar de tão pesada quanto qualquer Heavy Metal convida mais à contemplação do que a “bateção” de cabeça.

Confira:


O que me lembra de outro clipe. Esse do ano passado, de uma banda francesa mais voltada par ao Trash Metal. Para mostrar que heavy metal de contemplação não ocorre apenas no Black. É a música Low Lands do Gojira. Sua construção é mais similar ao Trash Metal, ou seja, numa comparação aqui estaríamos mais próximos do Metallica que do Burzum. Mas há também aqui elementos que dão um ar de música ambiente a Low Lands, casados com imagens belíssimas, oníricas. Foi um dos clipes mais bonitos que vi no ano passado e agora compartilho aqui.

Verdade que nos minutos finais Low Lands perde essa aura contemplativa e caí num trash pesadão, mas até lá ouça e viaje nas belíssimas imagens que se descortinam a sua frente.


Enfim, trago esses dois clipes só pra demonstrar que metal é peso e é brutalidade, mas também é contemplação e beleza. 

domingo, 4 de junho de 2017

Is This The Life We Really Want? - Roger Waters

Vinte e cinco anos depois de seu último disco de rock e aos 73 anos de idade Roger Waters continua inconformado. Ele esteve inconformado nos anos 70 quando fez "The Wall", ele esteve inconformado nos anos 80 quando fez "The Final Cut" e "Radio Kaos", ele esteve inconformado nos anos 90 quando lançou "Amused to Death" e agora, na segunda década do século XXI o baixista do Pink Floyd continua inconformado.

Inconformado com a situação dos refugiados, inconformado com Israel, de fato, puto da vida com Trump, e, provavelmente e acima de tudo, inconformado com o fato de, depois de ter passado os anos 80 sob a sombra dum holocausto nuclear (vide os finais trágicos de Final Cut e Radio Kaos), as pessoas ainda terem de viver com medo.

Essa é a vida que realmente queremos? Pergunta o músico já no título de seu novo disco, provavelmente o título mais relevante que ele poderia dar nos dias atuais. Primeiramente é bom ressaltar que o novo disco de Waters é um disco político, seu questionamento não é filosófico, não trata de questões introspectivas, mas sim de temas atuais e certeiros, sendo que o principal deles ainda é o medo como guia da vida moderna.

“Fear, fear drives the mills of modern man
Fear keeps us all in line
Fear of all those foreigners
Fear of all their crimes
Is this the life we really want? (Want, want, want, want)
It surely must be so
For this is a democracy and what we all say goes”

O discurso poderia soar datado, não muito diferente dos seus discos dos anos 80, mas soa totalmente atual e plausível para os nossos dias. O próprio músico parece perceber isso, já que após uma breve introdução “When we were Young” a faixa seguinte a abrir os disco se chama “Dejá Vú” cuja letra é a gêmea mais sarcástica e amarga de “If” dos tempos do “Atom Heart Mother”. Já “The Last Refugee” tem a beleza cinematográfica aliada à dureza lírica que havia em “The Final Cut”.

Em vários momentos a sonoridade deste disco remete tanto a "Final Cut" quanto a "Animals" dois grandes discos politizados da época do Pink Floyd, “Smell the Roses” por exemplo encaixa-se perfeitamente no estilo do segundo.

A trinca final são três canções de acento folk conectadas entre si, tanto tematicamente quanto melodicamente, são mais melódicas e leves e, diferente do que faria o Waters dos anos 80, terminam o disco com um toque mais esperançoso.


O disco pode até não alcançar o patamar dos clássicos do Pink Floyd (pra mim faltou só uma certa guitarra pra isso, nós sabemos bem de quem), mas com certeza é um dos discos mais relevantes desse ano. Roger Waters é daqueles que ainda creem no poder da música como um catalisador de mudanças e se a mudança não vier,  pelo menos é a trilha sonora mais bela que podíamos ter pra nossa decadência. Ouça!

quarta-feira, 17 de maio de 2017

Os Descordantes - Quietude



A música romântica sempre fez sucesso no Brasil, do rock ao sertanejo universitário, perpassando pela MPB e o samba, os temas de amores impossíveis, perdidos, encontrados, reencontrados, iludidos e desiludidos, sempre tiveram boa sintonia com o público. Independente do estilo, há uma facilidade do público de se reconhecer nessas histórias cantadas, para cada situação amorosa que se passar na vida há uma música em algum lugar que serve como expressão perfeita para os seus sentimentos.

Os Descordantes entenderam bem essa demanda, cantando desilusões amorosas em diversos estilos: rock, mpb, samba, brega, pop, evitando delimitar-se em um estilo único e denominando-se apenas como música romântica.  Resultou em se tornarem uma das bandas mais queridas da noite Rio Branquense e em seu primeiro disco "Espera a Chuva Passar", um compilado de todas as canções já executadas ao vivo ao longo dos anos, com algumas inéditas. Se o disco não deixou os músicos ricos, com certeza foi um sucesso entre seu público. Tanto que animou a banda a lançar mais um e assim chegamos ao segundo disco "Quietude".

O novo disco é um trabalho mais homogêneo que o anterior, calcado na MPB, trazendo referências a outros estilos e com toques retrô que, a mim pelo menos, remeteram à música romântica das décadas de 50/60. As músicas casam bem com o título "Quietude", mais calmas, leves e introspectivas. A canção de abertura, "Trem Fora dos Trilhos" já mostra a que veio o disco, ao invés dos pesados acorde de guitarra que abrem "Espera a chuva..." aqui é um piano suave que abre os trabalhos numa canção que me remete, em momentos, ao Radiohead da época do The Bends.

Meus destaques vão, em primeiro lugar, para "Desamor", segunda canção do play, de cara a minha favorita e a mais rock'n roll de todas, ela é seguida pela divertida "Iguais" de clima muito agradável, com direito a corinho de "ulálá's", perfeita pra bailezinhos retrôs anos 60. Na sequência a desiludida "Simplesmente" evoca o clima de “sofrência” do primeiro disco, não me chamou muito a atenção de primeira, mas ela vai crescendo na nossa mente, hoje já me pego cantando-a do início ao fim. Pra encerrar os destaques, o brega descarado volta lá pro fim do disco com "Vai Ver", essa utilização inteligente da música brega (daquele tipo que fazia sucesso nas rádios na vozes de Odair José, Reginaldo Rossi entre outros) sempre foi o grande diferencial dos Descordantes, fiquei feliz em ver que eles não esqueceram de prestar sua homenagem ao estilo nesse disco.

Se senti falta de algo, foi de uma maior variedade musical, como disse lá em cima o "Espera a chuva..." transitava, com naturalidade, por vários estilos: rock ("Descrença" e "Porto e o Rio"), samba ("Amigo Amarelo"), brega ("Hombridade" e "Sair Daqui"). Quietude me parece mais focado na MPB, não que isso seja um defeito em si, é mais pra uma impressão pessoal mesmo. Já estou pela décima audição do disco desde que recebi minha cópia (digital) e posso afirmar que essas canções vão crescendo a cada vez que se escuta o disco.

Com Quietude, os Descordantes fincam bases sólidas em sua identidade musical, sólidas o suficiente para sustentar um terceiro disco, se não vários outros.

Audição mais que recomendada.

Os Descordantes - Quietude
Diego Torres - Guitarra/Vocal
Saulo Melo - Baixo
Heriko Rocha - Teclado
George Naylor – Bateria




domingo, 9 de abril de 2017

Songs of Love and Death - Me and That Man


John Porter (esquerda) e Nergal (direita)
Pra quem está acostumado a ouvir Nergal pesado e extremo como líder da banda de Death Metal Behemoth certamente achará estranho e inusitado seu novo projeto Me and That Man. Aquele homem do título trata de um artista do folk chamado John Porter. Juntos ambos trazem luz (ou sombras) a um projeto com influencias como Johnny Cash e Leonard Cohen (repare na semelhança com o clássico Songs of Love and Hate). 

O resultado de um músico de death metal polonês fazendo música tipicamente americana não poderia ser melhor. Songs of... é possivelmente um dos melhores lançamentos do ano. Ao escutar o disco se tem a impressão uma gravação realizada no sul do Estados Unidos, mais provavelmente em Nashville. Temos country sombrio em My Church is Black, que soa como se Johnny Cash tivesse perdido a fé e se revoltado contra Deus; temos blues em Nightride, Shaman Blues, Magdalene, etc.; temos o garage rock de Better The Devil I Know e da canção título Love & Death. Sem um sinal de gutural, Nergal solta um vozeirão grave e profundo, um Cash das trevas, que casa perfeitamente com a voz mais rasgada e áspera de John Porter. 

A temática das letras, não muito diferente do próprio Behemoth, continuam sombrias, blasfemas e despudoradas, afinal que outro artista bota um coral de crianças pra cantar tal refrão:

We aint coming for forgiveness
We’re not paying for our sins
We betrayed you our sweet Jesus
We have chosen hell on earth

Nunca o despudorado deboche de Nergal ao cristianismo soou tão belo quanto nesse disco. Não deixe de conferir.